Au Crow Museum, des fonctions simples mènent à des formes étonnantes d'artisans japonais

May 05, 2023

L'exposition, "Japan: Form & Function", remplit le Crow Museum of Asian Art de près de 250 objets. S'appuyant sur la vaste collection privée de Jeffrey Montgomery, "Form & Function" est la plus grande exposition d'art japonais jamais présentée par le musée : ses six galeries sont remplies - et le resteront pendant une année complète.

Malgré la portée et la variété de l'exposition (elle contient des statues et des futons, des bocaux à saké et des vêtements), "Form and Function" a un objectif distinct et très japonais : il ne met pas en évidence l'art courtois, mais le bure, l'humble, les objets du quotidien. qui ont une clarté et une beauté qui leur sont propres.

Beaucoup d'entre eux ont été façonnés pour une tâche ou un besoin quotidien. Une veste de fermier. Un bocal à eau. Un sac à dos. Et ceux qui pourraient s'inscrire dans les genres traditionnels de l'art - statues, portraits, scènes de bataille - leurs créateurs n'étaient pas des «artistes» au sens occidental moderne. Ils vivaient le plus souvent dans des villages et restent sans nom. Ce sont les 'folk' dans l'art populaire.

Les Japonais ont plusieurs termes apparentés pour désigner toute cette esthétique de ce que nous pourrions appeler "l'artisanat traditionnel". Wabi-sabi, par exemple, signifie valoriser le désinvolte, l'inachevé. Il y a des bols et des bocaux en céramique ici qui semblent avoir été fabriqués à la hâte ou simplement laissés carbonisés.

En même temps, de nombreux objets ont la clarté et la finition à couper le souffle du minimalisme moderne. Pourtant, la prétendue insouciance et la précision presque mécanique s'inspirent en fait des traditions japonaises de ce qui est beau, de ce qui est "naturel".

Le terme spécifique mis en évidence par "Forme et fonction" est mingei, qui est généralement traduit par "art populaire" ou "art du peuple". Il a donné son nom au mouvement Mingei, une appréciation et un plaidoyer du XXe siècle pour un tel travail manuel.

En fait, Luigi Zeni, commissaire de l'exposition, a organisé "Forme et Fonction" selon différentes provinces, localisant différents styles avec des domaines qui ont développé leurs propres techniques. Mais une autre façon de voir tout cela est selon le matériau : Il y a ici un certain nombre d'objets en bois, en métal ou en pierre, mais il y a des galeries entières consacrées uniquement à la céramique ou uniquement aux tissus.

L'exposition compte notamment trois galeries qui sont des vitrines presque immersives. Le premier est consacré aux textiles. Les visiteurs sont accueillis avec des futons tapissant les murs tandis que des rangées de kimonos sont suspendues, les bras écartés, comme une foule accueillante qui remplit la pièce.

On est frappé non seulement par la variété des dessins et des couleurs, mais aussi par la fonction spécifique de beaucoup : un sous-vêtement, une veste matelassée de pompier. Comme l'a souligné Zeni lors de l'aperçu de la presse, il était courant pour les Japonais de trouver différentes façons d'utiliser et de réutiliser un morceau de tissu jusqu'à ce que son objectif final soit un chiffon de nettoyage.

La deuxième galerie impressionnante présente deux grandes bannières aux couleurs vives consacrées aux conflits légendaires de l'histoire japonaise : la bataille d'Ichi no Tani (1184) et la bataille de la rivière Imjin (1592). Les batailles ont inspiré des pièces de théâtre, des paravents, des gravures sur bois, voire des jeux vidéo.

Ainsi, les images et le récit étaient bien connus du spectateur japonais typique, mais c'est peut-être la première fois que ces deux bannières sont montrées ensemble – et avec un tel effet. Ils s'étalent sur trois murs de la galerie. Contrairement au minimalisme immaculé qui règne ailleurs, le visiteur est ici entouré de tourbillons de couleurs bondés, qui s'entrechoquent et se précipitent : les premiers Cinerama japonais.

La troisième galerie présente un large assortiment d'articles ménagers : lanternes, statues, futons, céramiques. Avec le mingei, les artisans japonais pouvaient transformer un crochet de pot en une sculpture en bois audacieuse et en blocs.

Certains des principes du mouvement Mingei peuvent ressembler au mouvement Arts and Crafts de l'Angleterre du XIXe siècle. Ils appréciaient tous deux la clarté et la dignité du design fait à la main, même si certains produits étaient également richement décorés. Yanagi Soetsu, le philosophe-critique qui a développé les idées derrière Mingei dans les années 20, prônait la simplicité, l'anonymat et «l'honnêteté». Le titre de ses essais recueillis : La beauté des choses de tous les jours.

Soetsu a également nié toute influence occidentale. Mais le mouvement Mingei, tout comme Arts and Crafts, s'est élevé en partie comme un contre-pied aux produits modernes et industrialisés et en partie comme une forme de nationalisme de retour aux racines (contre un Japon qui s'occidentalise avec empressement).

Il y a presque toujours une qualité ascétique au minimalisme, une recherche de pureté. Ainsi, le mouvement était inspirant dans son rejet de la cour et de l'impérial. Mais il était également conservateur dans la localisation de «l'authentique» dans la vie des villages japonais.

En Amérique, pensez au blues ou à la musique country. De temps en temps, les artistes regardent en arrière pour trouver une prétendue pureté, une vérité originelle.

Ou souvent, juste une nouvelle inspiration.

"Japan: Form and Function" au Crow Museum of Asian Art jusqu'en avril 2024.